El stencil art y el arte callejero

  

 

¿QUÉ ES EL STENCIL ART?

Dentro de las diferentes formas de arte callejero, comparando al stencil con el graffiti, principalmente, se encuentra en el primero una complejidad de formas y contenidos, los cuales se presentan en muchas ocasiones marcando una posición frente a ciertos aspectos de la realidad, con ideas críticas, con insinuaciones o imágenes sugestivas, o, en muchos casos, con humor. En el segundo, en cambio, las limitaciones expresivas al respecto son evidentes.

     Los antecedentes inmediatos del stencil, se encuentran en las plantillas utilizadas con fines propagandísticos, en la mayoría de los casos en tendencia política. La trascendencia del stencil como medio de expresión surgió con cierto grado de popularidad en los principios de la década del ochenta del siglo pasado. Con el tiempo, en las obras hechas con plantillas se han vinculado diferentes elementos de distintas corrientes artísticas.

     En las obras del stencil, los márgenes creativos son inmensos, existiendo y generando una gran variedad de diseños y obras por parte de los pintores. La diversidad de formas con las que se puede trabajar y los diferentes contenidos a los que se les han dado forma, establecen al stencil como una de las formas de arte más flexibles y plurales de la época contemporánea.

Los pintores de stencil

    Habiendo alcanzado cierta popularidad en los primeros años de los ochenta, uno de los artistas exponentes del uso de las plantillas fue Blek Le Rat. Con sus ratas, soldados, tanques y personajes anónimos como el reconocido “Hombre a través de los muros”, una de sus obras, Blek se estableció como exponente de la corriente, sobre todo en Francia.

     Luego, no demoraron en aparecer distintos artistas atraídos por el trabajo de Blek. Vota Dier, Shepard Fairey (Obey), Dr. Hoffman y Banksy, son algunos de los artistas callejeros más reconocidos hoy en día. Manejando dentro de sus trabajos diferentes formas y técnicas, diferentes ideas y objetivos, los artistas del stencil vienen plasmando, desde hace ya tres décadas, sus obras con gran calidad. Aquí algunas obras de los referidos autores:

Obra de Vota Dier

Obra de Obey

 

Obra de Blek, the rat

 

El stencil, una forma de expresión histórica

El stencil, una práctica gráfica, ha alcanzado en las últimas décadas niveles de expresión histórica. De manera conceptual, el stencil tuvo su origen junto al graffiti. En la Primera y Segunda Guerra Mundial, los norteamericanos usaron esta técnica pictórica para identificar las cajas de armamento; pero es a mediados del siglo XX cuando surge el stencil en una forma auténtica y artística. Los movimientos fascistas italianos utilizan el stencil con fines exclusivamente propagandísticos; lo hacen también organizaciones mexicanas y españolas. Sin embargo, a finales del siglo XX, el stencil empieza a conseguir cuantiosos seguidores, para practicarse masivamente.

Fenómeno callejero

Es atractivo contemplar el fenómeno que acontece al observar un stencil en un centro urbano. Es una practica simple y clara, se define muchas veces como la anti-publicidad, su constitución es sencilla, terminante y utiliza las mismos técnicas que los medios de comunicación masivos, pero para expresar un discurso contradictorio, desconcertante y habitualmente crítico de los medios.

Movimiento cultural

Internacionalmente, en torno al stencil se ha desarrollado todo un movimiento cultural, que se ha desarrollado incluso en películas, documentales, etc. que han honrado a la imagen del stencil. Vale aclarar que el stencil, al igual que el graffiti, es una expresión netamente callejaera. Los dos buscan ser observados por los caminantes, y despertar algunos cuestionamientos al ser contemplados.

Banksy

Es imposible interpretar el origen del stencil sin señalar la figura del maestro Banksy, quien fue el primer artista que empezó a cubrir su rostro como símbolo clandestino. Actualmente Banksy no es sólo un artista urbano más, hace años que su arte provoca diversos comentarios en el mundo entero. Se ha transformado en un artista popular y mediático. Una de sus últimos stencil fue el realizado sobre el muro que divide el territorio de Israel del Palestina, en que diseño paisajes de playas paradisíacas.

(Artículos xxtraídos de Graffitigarage: http://www.graffitigarage.com/graffiti-urbano/stencil-art.php)

Otros ejemplos de este género de arte callejero:

Stencil en una calle de Madrid

En una calle de Granada

Obra en stencil del  Dr Hofmann:

Volando voy

  

 

Pinto, luego existo

 

Obra de Banksy:

 

 

 

 

EMERGENCE; UN PROYECTO DE ARTE CALLEJERO

“Emergence” proyecta en 3D rostros gigantes que invitan a la crítica social

A lo largo de su historia, Hyde Park South ha sido un punto de reunión para movimientos cívicos y protestas sociales. Por ello, 3 rostros gigantes, proyectados sobre los árboles, asemejan espíritus que siguen invitando a las personas a ser más críticos y a tomar parte de un cambio.

“Me he involucrado en las protestas porque es una forma de decir que no pienso aceptar una posición injusta. Especialmente cuando la opinión general está a favor de la guerra y en contra del igualdad… No soy un consumidor pasivo, sino un participante activo en la sociedad. No dejemos que la corrupción y la avaricia ganen”.

Colin Charlton

“El cambio siempre ha sido rechazado por aquellos que se benefician del status quo. Si no ¿por qué no podemos hacer la transición a energías renovables? Un billonario no puede vender el aire o el sol ¿o sí?”

Jennifer Anne Curtis

“No hablar de la injusticia, cuando uno puede hacerlo, es condonarla. En un mundo donde hay pobreza y sufrimiento, siempre he creído que mirar al otro lado y aceptar el status quo es negar la humanidad de uno y la propia capacidad de acción”.

Sylvia P. Hale

“Emergence” es una obra de Craig Walsh, un artista contemporáneo que ha trabajado tanto en teatro, arquitectura, obras públicas y festivales.

Este espectáculo nocturno forma parte del festival anual Art & About, que consiste en todo un mes de instalaciones de pintura, representaciones de teatro, lecturas y otras exhibiciones en espacios públicos en la ciudad de Sídney, Australia.

Breve concepto artístico sobre el Arte Conceptual

 

¿Donde nace el Arte Conceptual?

 

 

El Arte Conceptual, a decir de los entendidos, tiene como origen la obra de Duchamp y en particular  sus primeros readymades. El más conocido de ellos, un urinario de nombre "La fuente", presentado en 1917 a la Sociedad de Artistas Independientes y firmado R. Mutt. Esta obra inaugura y establece un paradigma en la búsqueda de un género del Arte que hoy puede parecer cercano, pero que a principios del siglo XX resultaba agresivo y demandante en cuanto a propuesta éstética y cultural.  A partir de la propuesta de Duchamp, el arte se ha internado en infinidad de rutas y exploraciones que han originado hallazgos como lo son el tan socorrido performance, el happening, e incluso la instalación. 

 

 

 

¿Cómo se fundamenta?:

 

El Arte Conceptual es un movimiento artístico que parte de la noción de que el arte no debe interesarse por la forma en sí, sino por las ideas o conceptos que trata. La idea o concepto entonces es el centro de la obra y en algunos casos es la obra en sí misma, quedando la materialidad relegada a un segundo plano.
El contexto de surgimiento del Arte Conceptual, coincide con la puesta en cuestionamiento de los límites del arte y del valor que el mismo tiene en la sociedad. Es por eso que el Arte Conceptual es un arte sobre el acto cultural creativo y uno de sus objetivos es definir el mismo concepto de arte.

El Arte Conceptual es el resultado de una serie de reacciones y cuestionamientos de la definición de obra de arte, tal y como se habían comprendido hasta ese momento. En particular sobre cuatro nociones, según Clement Greenberg:

1. la negación de la objetividad material, es decir, que la obra de arte ya no requiere una materialidad propia, sino que puede constituirse como acto o performance.
2. la negación del medio mediante la conformación de sistemas de relaciones entre la obra, su autor y una objetualidad genérica
3. la negación del significado único de la forma, a través de la apertura de significados que requieren interpretación y completamiento de la obra por parte del observador
4. la negación de la autonomía del arte mediante su compromiso con el activismo social y cultural, convirtiendo el arte en uno de los campos de debate político más ricos.

 

 

¿Gonsoelogía del Arte Concepto?

 

En esta gustada sección, Gonseología del Color, no pretendemos descubrir el hilo negro ni realizar propuestas tentadoras; acaso el objetivo sea darnos una ligera zambullida en el salvaje oleaje del arte del concepto. Por ello, ofrecemos a ustedes cuatro videos que mejor que nadie pueden explicar per se  la riqueza de exploraciones en tan original tema. Por ello, nos atrevemos a proponer un video donde se muestra a un grupo de artistas mexicanos explicando los procesos que los llevaron a proponer su obra, exhibida en el centro Cultural Duque, en España.

 

También exhibimos dos videos documentales del que sea, probablemente, el más reconocido artista conceptual en México: Gabriel Orozco. Nacido en 1962 en la ciudad de Jalapa, Veracruz, las propuestas de Orozco son francamente originales y críticas. Su propuesta es ya reconocida a nivel internacional. El primer video es una pequeña muestra de su trabajo. El segundo, un largometraje que nos permite explorar la intimidad, las ideas, las contradicciones, el mal genio y el carácter de un artista en toda la extensión de la palabra.

 

El último de los videos está dedicado a Do Ho Suh, artista conceptual nacido coincidentemente en el año de 1962, en Seúl, Corea. Su propuesta está muy enfocada a los procesos arquitectónicos; su lenguaje nos habla acerca del hábitat y los materiales. ¿Quién mejor para comentar la obra que el propio artista? Do Ho Suh nos confronta a planteamientos contemporáneos que merecen toda nuestra atención.

 

Esperamos disfruten de estos videos.

 

Atte. Consejo Editorial de Juguete Barroco.

 

 

Puro Arte Mexicano

Parte 2 de 4

(Video)

 

Gabriel Orozco

(Video sobre su obra)

 

Gabriel Orozco

(Documental)

 

Gabriel Orozco, un proyecto fílmico documental es una producción mexicana, este largometraje atrae a la gente por su estilo, lenguaje y honestidad que maneja Gabriel Orozco a través de la cámara de Juan Carlos Martín. Se establece un diálogo entre dos artistas y el universo de Orozco quien inventa a cada paso una idea.

Martín sigue al artista, en su desplazamiento por las grandes urbes, desde la ciudad de México hasta París donde expone su trabajo.

Al igual que las conversaciones que se dan entre el artista y sus amigos, la fotografía a blanco y negro o color empleada por Martín, impactan al espectador, ya que al viajar por varios países obtienen esta maravillosa cinta.

Es una reflexión sobre la identidad de una persona como Orozco, inmersa en un mundo donde se adora la tecnología y el consumismo, no muestra un mundo lleno de arte desde los monólogos hasta la exposición de la basura reciclada.

Do ho suh

(Video)

Conocido por sus esculturas e instalaciones que defienden las nociones convencionales de la escala y el sitio, el trabajo de Do Ho Suh capturó la atención de los espectadores proponiendo la existencia de espacios públicos inhabitables. Explorando la tenue línea que divide las medidas en numeración y homogeneidad, la obra de Suh cuestiona la identidad de la individualidad hoy en día, en una época caracterizada por la indiferencia y la enormidad de una sociedad global.







 

Lugar: Muchos autores coinciden en que surge a partir de la obra de Duchamp y en particular desde los primeros readymades, el más conocido, la fuente presentada en 1917 a la Sociedad de Artistas Independientes y firmada R. Mutt.   MARCO   El Arte Conceptual es un movimiento artístico que parte de la noción de que el arte no debe interesarse por la forma en sí, sino por las ideas o conceptos que trata. La idea o concepto entonces es el centro de la obra y en algunos casos es la obra en sí misma, quedando la materialidad relegada a un segundo plano. El contexto de surgimiento del Arte Conceptual, coincide con la puesta en cuestionamiento de los límites del arte y del valor que el mismo tiene en la sociedad. Es por eso que el Arte Conceptual es un arte sobre el acto cultural creativo y uno de sus objetivos es definir el mismo concepto de arte. El Arte Conceptual es el resultado de una serie de reacciones y cuestionamientos de la definición de obra de arte, tal y como se habían comprendido hasta ese momento. En particular sobre cuatro nociones, según Clement Greenberg: 1. la negación de la objetividad material, es decir, que la obra de arte ya no requiere una materialidad propia, sino que puede constituirse como acto o performance. 2. la negación del medio mediante la conformación de sistemas de relaciones entre la obra, su autor y una objetualidad genérica 3. la negación del significado único de la forma, a través de la apertura de significados que requieren interpretación y completamiento de la obra por parte del observador 4. la negación de la autonomía del arte mediante su compromiso con el activismo social y cultural, convirtiendo el arte en uno de los campos de debate político más ricos      Marcel Duchamp/Fountain . ready-made. (1917)                          Joseph Beuys/I Like America and America Likes Me (1974)   APORTE Diversas corrientes dentro del Arte Conceptual aportan una mirada sobre los procesos creativos que plantean un quiebre con la tradición. Por un lado proponen la exploración de los límites de la creación en sí misma. Es decir que la producción ya no debe presentarse como reproducción de los modelos heredados, sino como un mecanismo para explorar nuevos procesos. Por otro lado la búsqueda de los límites para la autoría, es decir la necesidad de quitar al autor de su rol preponderante, disminuyendo el control que sobre la obra puede tener, dando lugar a la inclusión del azar, y del completamiento de la obra por el observador. Finalmente, plantean la primacía de la comunicación de una idea sobre la forma en sí misma. Es decir que permiten asociar el resultado, no a una búsqueda formal superficial, sino a una reflexión donde cualquier tema y preocupación ideológica, queda dentro de los límites de las posibilidades de reflexión de la obra. OPERATIVIDAD    Algunas lógicas operativas propias del Arte Conceptual serían: -Instrucción, performance, documentación como una transposición de las lógicas de construcción de la obra de arte utilizadas en la música y la danza al resto de las artes. Comienzan así una serie de registros y descripciones de las reglas de realización de la obra de arte, algo que sigue siendo aún hoy un mecanismo de producción relevante. -Proceso, sistema, serie consistente en la utilización de relaciones lógicas, matemáticas y espaciotemporales como materia prima de la obra de arte. El trabajo con números, series, repeticiones, etc, constituye un mecanismo para desviarse de la autoría convencional, realizadora de toda la obra, a una autoría diferente en la que se plantean reglas y se libera la obra a una especie de autoconformación. -Apropiación, intervención, cotidianidad, como el establecimiento de nuevas relaciones entre el arte y la producción cultural comercial y cotidiana. Llevando el trabajo del artista a actividades cotidianas introducen el activismo y la reflexión en toda la esfera de la vida humana. -Enfasis en la política e ideología producto de la necesidad de enfrentarse a la cada vez mayor extensión del Estado y su poder sobre la vida social. Tanto en las sociedades de consumo satisfechas, donde se reconocía la necesidad de romper con los esquemas de normalidad difundidos por la cultura oficial, como en las sociedades oprimidas por dictaduras o gobiernos autoritarios, a manera de rebelión política. Estas lógicas operativas incorporan para el mundo de la creación una serie de temas y lógicas que estaban ausentes de la reflexión y que amplían el horizonte del proceso creativo.

Lucian Freud y el inicio del Hiperrealismo

El hecho de que Lucian Freud lleve el apellido del afamado padre del Psicoanálisis, es sólo una casualidad; puesto que ser nieto de Sigmund no es relevante para admirar la profundidad de sus trazos. La fama de este talentoso pintor, nacido en Berlín, se sustenta por la capacidad expresiva de su propia obra. Autor reconocido por sus retratos crudos, hiperrealistas (llenos de una fuerza expresiva y emotiva donde  muestra personajes grises, gordos, calvos, naturales, sin ninguna pretensión de perfección corporal), Lucian es sin duda un artista comprometido con su tiempo, contribuyendo a fomentar una estética sincera, alejada de los preciosismos estéticos e inúltiles, para ahondar, mediante el retrato externo, en la psicología y el comportamiento de los seres humanos. Aquí compartimos una reseña de su trabajo en aguafuerte, una faceta poco conocida de este artista, extraída del blog blogsFcom. También anexamos un par de videos que documentan parte de la brillante obra de este pintor. Ojalá sean de su agrado.

Atte. Consejo Editorial de Juguete Barroco.

Lucian Freud, y la búsqueda del aguafuerte.

Lucian Freud es uno de los artistas actuales más controvertidos e interesantes. Conocido como pintor, practica habitualmente el aguafuerte desde 1982, aunque comenzó sus primeras planchas en los años 40. Nació en Berlín, vive en Londres desde 1933 y, quizá con excesiva frecuencia, se dan pinceladas de su biografía y su arte haciendo referencia a su abuelo, el creador del psicoanálisis Sigmund Freud. Sus estampas están profundamente relacionadas con sus pinturas y, más allá de la pura apariencia, podrá verse que la similitud entre ambas no están hechas con el ánimo de la reproducción, ni siquiera de la versión, no son dibujos preparatorios ni una segunda revisión de sus sujetos, sino un modo paralelo que según sus palabras,  le fuerza a concentrarse más que en otra superficie: “Para el aguafuerte necesito gafas, para la pintura no”.

Podría haber elegido la xilografía, como hizo Munch, de resultados más acordes para tanta carga emocional; o la serigrafía, cuya posibilidad de color podría acercarlo más a su pintura, pero no. Elige el aguafuerte como única técnica gráfica convirtiéndolo en una autografía, una forma más de dibujar. “Grabar es como dibujar, pero con un misterio y peligro añadidos que me estimula; nunca sabes cómo va el trabajo, qué es blanco, qué es negro, dónde está la derecha, la izquierda” y a pesar de soportar lo que los grabadores conocemos como planchas quemadas o deterioradas, él entiende que “el elemento sorpresa de cuando veo lo que he hecho es lo que me incita a continuar”. Es, sencillamente, un grabador sin prisa ni complicación que le reste profundidad a sus representaciones.

Pinta muy despacio, unos meses para un cuadro, a veces más de un año, y suele compaginar dos lienzos con una plancha. En sus aguafuertes refleja la naturaleza humana desde dos categorías principales: los retratos de cabezas y los desnudos aunque, excepcionalmente, también toca temas como el paisaje y los animales. Graba todo lo cercano: su madre, sus hijas, sus amigos, sus flores, su jardín. Le horroriza la apariencia modificada e idílica, le atrae la veracidad del cuerpo humano.

Comenzó a grabar a los 23 años, usando el lavabo de la habitación de su hotel para mordentar las planchas con ácido nítrico comprado en la farmacia del barrio, estampándolas en uno de los muchos talleres parisinos. De esa época son Pajarito, su primer aguafuerte, y Bollo Chelsea. Hay  dos posteriores de tintes surrealistas y más ambiciosos en técnica y tamaño: Girl with fig leaf y su hija Ill en París. Diría Freud “¿Qué hay más surrealista que una nariz entre dos ojos? (Angus Cock. L.F. recent drawings and etchings, 1993).

Después de 34 años sin hacer una sola plancha, dada la escasez de los medios londinenses de la época, Freud retoma el aguafuerte a partir de un proyecto del historiador Lawrence Gowing de hacer una edición de lujo de 100 carpetas, en la que cada una debía incluir un aguafuerte original del artista. Durante ese año hizo quince planchas y seleccionó cuatro: Una pareja, Cabeza de mujer, La madre del pintor y Bella, haciendo 25 ejemplares de cada una. A partir de estas estampas su obra grabada se basa en un intenso proceso de observación, escudriñando una realidad que comienza a presentar con soltura y fluidez mediante apretadas y enérgicas líneas.

Desde el punto de vista emocional, su trabajo es el resultado de la sensualidad y el egoismo, en el mejor sentido de la palabra. Su vida comienza a adquirir patrones de trabajo disciplinados, serenos, pintando y grabando en su piso londinense donde acuden con frecuencia su madre, sus hijas, las domésticas y otros amigos que se acercan por distintos motivos, a los que empieza a representar de continuo. Con absoluta autoindulgencia evita todo tipo de actos sociales y se conduce en la rutina del trabajo y la vida familiar. Freud cuenta con sesenta años. A medida que he ido leyendo la biografía de este artista sorprende el contraste de la dureza de sus representaciones y la exquisita sensibilidad y sencillez que parece poseer. Su sabiduría, su preocupación por la familia, la cercanía a los animales, la disciplina, la falta de prisa. Cuenta (en conversación con Bruce Bernad) como tras fallecer su padre en 1970, quería volver a darle un sentido a la vida de su madre “que había perdido interés por todo, incluso por mí” comenzando una serie de retratos de ella .

Por los 80 el dibujo desaparece de su vida:  “Cuando me enseñaron la técnica del aguafuerte, solo dije que lo que estaba haciendo era dibujar sobre una plancha, entonces paré de dibujar sobre papel. Pensé que podría dar con mis aguafuertes más inmediatez” afirma en  la correspondencia mantenida con Starr Figura en 1985. En ese año realizó seis grandes planchas  mostrando más fuerza aún en la línea, haciendo composiciones más complejas y comenzando a distribuir su trabajo tanto en Londres como Norteamérica en ediciones de 50 ejemplares. Una figura muy importante para sus grabados ha sido el impresor Balakjian del Studio Prints de Londres quien se convirtió, al igual que en su tiempo hicieron Mourlot o Lacouriere, en el complemento perfecto al trazado sobre el metal. En las dos fases fundamentales de la estampa está el dibujo y la estampación. Esta segunda, aunque no es reconocida por todos, carga con un porcentaje muy elevado de la belleza del grabado. Balakjian enseñó a Freud cómo variando el color, el soporte y sobre todo el entrapado de sus planchas, éstas podían adquirir nuevos matices, tanto en el sentido literal como en el figurado, aumentando su fuerza o su sutileza. La apertura mental que adquirió el artista con su estampador le llevaron a decirle “…vaya, nunca se es demasiado viejo para aprender”. En la imagen superior puede verse al estampador eligiendo la Bon á Tirer de After Constable´s Elm. 

Los desnudos son los trabajos más subversivos y turbadores del artista. Son figuras que se muestran reclinadas en un sofá, en la cama o incluso en el mismo suelo, en estado de introspección, a veces durmiendo y siempre relajados, quizá por justificar un estado despiadadamente natural en el que los genitales ocupan el centro de la composición. Normalmente son poses y puntos de vista singulares, casi torturados por el verismo de la desnudez. Freud, quien los distingue de los venerables desnudos de los grandes maestros,  consigue con ellos asombrar, perturbar, seducir.  Comenzó con este tipo de representación con dos cuerpos de mujer (Mujer rubia y Mujer sujetando su pie) y dos de hombre, en los que a falta de los beneficios del color sincretiza con gestos, líneas y trazos mordaces. Viene ahora la mayor de sus planchas Mujer con el brazo tatuado y después  Mujer durmiendo, un grabado singular porque al no estar contento, Lucian la cortó en tres pedazos (Cabeza, torso, muslos). 

Con respecto a los hombres siempre son representados de forma descomprometida, directa, casi clínica (I´m a biologist, diría él) nunca con carga sexual o erótica. Decía, simplemente, que “esa” es la única diferencia entre los hombres y las mujeres y que le gustaba mirar a las personas con “la misma naturalidad que miro a mi whippet Pluto”. El joven cineasta Angus Cook fue uno de los más retratado de esta forma durante seis años.
Los retratos, rostros más que cabezas, es el otro tema principal que desarrolla en esta técnica ya practicados en sus pinturas desde los 15 años. En ellos aparecen sus hijas Ib y Esther. Bella, sin embargo, es retratada de cuerpo entero con una camiseta de mangas cortas en la que vuelve a aparecer Pluto. Es extraordinaria a nivel de detalle y de cómo están resueltas las texturas de los distintos elementos de la escena (pelo, sillón, pantalones…) modificando las direcciones y ritmos de la línea al igual que hiciera Rembrandt. Es una de las pocas en la que ha variado las distintas pruebas de estado considerando que la tercera ya fue aceptable. Posteriormente realizó una edición de 36 ejemplares.

Por último, aunque el cuerpo humano es el tema central de sus aguafuertes, también recurre a otros motivos. Los perros adquieren un especial protagonismo y son tratados de la misma manera vulnerable y sublime. Llama la atención cómo trabaja sobre las planchas como si se tratasen de lienzos apoyándolas en el caballete. Con respecto a los paisajes, el jardín posterior de su casa adquiere importancia cuando Freud está cansado de figuras y quiere trabajar a pleno sol.  También se encontrarán versiones de los maestros antiguos como After Watteau, After Constable´s Elm, After Chardin (Jean Simeon), una de la más espectaculares: “No quiero copiar a Chardin, sólo acercarme a él tanto como pueda. Es un acto de amor”.

Para ver muchos de sus aguafuertes con bastante calidad y siguiendo un audio explicativo producido por el MOMA  pincha aquí ; también con los términos Lucian Freud ó Lucian Freud etchings, encontrarás multitud de videos en Youtube. No he elegido ninguno en particular porque son abordados de forma muy diversa, pero pueden darte una idea de la trayectoria de este artista de 88 años. Tuve la suerte de ver una exposición suya en el Reina Sofía de Madrid. Espectacular. Actualmente el Centre Pompidou de París ofrece una antológica suya hasta el 10 de julio próximo. Si vas por allí no debes perdértela

[Fuente imágenes y texto: Superior Desnudo de hombre en un sofá 1985 ; siguiente: Girl with fig leaf 1947; siguiente: Hombre posando 1985; Mujer con tatuaje en el brazo, 1996; siguiente: cabeza, tors, muslos 2001; eligiendo la B.A.T del grabado After Constable´s Elm con Balakjian en el 2003; abajo, plancha de cobre de Eli. Todas, al igual que las citas, proceden del catálogo de la exposición de los aguafuertes del artista en el MOMA en 2007 organizada y comisariada por Starr Figura, responsable del Departamento de Estampas y Dibujos de la institución: Lucian Freud, The painter´s etchings, The Museum of Modern Art, New York, 2007] 

Lucian Freud y el crudo retrato en óleo.

Lucian Freud y los inicios del hiperrealismo



El discurso en el grafitti de Banksy

por: Luis Alanís Téllez

Hoy en día se habla de la entrada de una nueva etapa, continuación de la posmodernidad, en  que reina el individualismo, el hedonismo y el consumo masificado de la moda.
            Gilles Lipovetsky le llama la tercera era del consumo, la hipermodernidad. Se refleja a nivel mundial en el terrorismo, las catástrofes, la lógica neoliberal y sus efectos sobre el empleo; a nivel local, la contaminación urbana, la violencia de los barrios periféricos; a nivel personal, todo lo que debilita el equilibrio corporal y psíquico. Resulta un mundo obsesionado por la técnica y el éxito; donde la voluntad otrora animaba al progreso a aliviar a la humanidad del sufrimiento, hoy es voluntad de poder sin más fin que su propio imperio sobre las personas, las cosas y los recursos, con una técnica sin finalidad humana y despojada de valores. Sin duda los trazos de un neonihilismo.
           Por otra parte -menciona Lipovetsky- hay valores que en esta etapa escapan a la lógica del consumo. Se cultivan marcando la conducta del individuo narcisista, como la preocupación por la homogeneidad de los derechos humanos, por la verdad y la transparencia, la salud en las relaciones personales y con las instituciones. Podría decirse que es la etapa de la decadencia, y por consiguiente la que requiere una novedosa organización social.Ese mundo aún está por plantearse, por describirse. Para eso está el Arte.
           Una imágen es contundente: la del cuadro "puente japonés" que ha sido emblema moderno de la contemplación y la reflexiva serenidad que Monet plasmó en los ultimos años de vida, ahora intervenida, tiene en el interior del estanque carritos de supermercado y un cono vial, generando un discurso aberrante: toda esa técnica y esfuerzo por generar riquezas en las sociedades de consumo convierten los lugares idílicos en rios de aguas negras, depositarios de residuos industriales y  estanques anegados por las ciudades que no encuentran donde colocar sus deperdicios.

          Otra escena impactante es la de una granja en que un gallo cuida a unos "nuggets" recien eclosionados, obra presentada en el museo de Bristol, lo más aterrador es que los pollitos-nuggets tienen movimiento. Hay cierto paralelismo entre esto y la película Koyaanisqatsi de Godfrey Reggio que sobre la música de Philip Glass presenta la vertiginosa manera en que la vida animal y humana entran en el engranaje de la industria.

           La desconocida identidad de un artista, que firma sus obras con el seudónimo de Bansky, sacude las costumbres y las lógicas de la sociedad contemporánea, desde las paredes de grandes ciudades, hasta muros fronterizos y poblaciones en guerra. Es irreverente, irónico y sorprendente. En su universo iconográfico cuestiona la condición ética de nuestro estilo de vida, hace un tratamiento mordaz  en sus temas; actividades humanas simples como la obtención del alimento, la diversión, el juego, las hace aparecer de manera inquietante cuando junta dos referentes antagónicos. Por ejemplo presenta a los hombres de las cavernas frente a unas carritos de supermercado en lugar de un mamut, o sosteniendo una charola con hamburguesa, papas y refresco. Interviene las calles como preguntando ¿dónde quedó la intención de ser feliz? cuando las lineas amarillas de advertencia vial, que contienen el discurso "no se estacione aquí o será multado" las convierte al final en una flor; o al representar a una niña en columpio colgando de las letras "park" en un espacio destinado a estacionamiento.

          Banksy es un graffitero  que inició su actividad a finales de los 80 en la ciudad inglesa de Bristol, como parte de un pequeño grupo conocido como DryBreadZCrew. Pero fue hasta el periodo de 1992-1994 que su obra empezó a adquirir personalidad propia. Fue en aquellos años que comenzó a usar el stencil como técnica principal, debido a la rapidez con que se puede imprimir una imagen usando este método (los ingleses penalizan con dureza a los graffiteros).
          Sus imágenes tienen un enorme poder visual y una gran creatividad, que no se limita al uso de superficies planas para hacer pintas bidimensionales, sino que juega con diferentes elementos del entorno para construir un lenguaje más elaborado y lúdico. Muchas de sus obras presentan una crítica explícita a los sistemas dominantes de nuestra sociedad moderna. Banksy critica el consumismo, la guerra, la violencia, la catástrofe ecológica o la amenaza que representan las armas de destrucción masiva. Con un tono irónico, los mensajes de Banksy resultan un choque contra el pensamiento conformista de las sociedades modernas.Muchos de sus graffitis son una distorsión social, una transvalorización o una transposición de situaciones contradictorias en nuestra sociedad: Mickey Mouse y Ronald Mac´Donald flanquean a una niña recientemente rociada por napalm, o un grupo de policías antimotines cortan flores mientras bailan en un prado.
             A manera de manifiesto, Banksy relata en su página web un episodio tomado del diario del teniente Mervin Willett Gonin, uno de los primeros británicos en liberar el campo de concentración nazi Bergen-Belsen, en la Segunda Guerra Mundial. En una ocasión, de la manera más bizarra y surrealista, les llevaron un cargamento de lápiz labial:
             “No era en absoluto lo que nosotros queríamos: gritábamos por cientos y miles de otras cosas y no sé quién pudo haber pedido lápiz labial. Me encantaría poder descubrir quién lo hizo, porque fue la acción de un genio, pura lucidez sin adulterar. Creo que nada hizo más por esos internos que el pintalabios. Las mujeres se veían acostadas en la cama sin sábanas ni camisón, pero con labios en rojo escarlata, uno las veía dando vueltas por ahí con nada excepto una manta sobre sus hombros, pero con labios en rojo escarlata. Vi una mujer muerta en la mesa post mortem, aferrando con su mano un lápiz de labios. Al fin alguien había hecho algo para hacerlos individuos de nuevo, ahora eran alguien, ya no meramente un número tatuado en el brazo. Al fin podían interesarse genuinamente en su aspecto. Ese pintalabios empezó a devolverles su humanidad”.
            Con este mensaje, Banksy nos declara su objetivo primordial: devolvernos la humanidad. Darle a los habitantes de las grandes ciudades ese lápiz labial que les haga recordar que siguen siendo humanos, y no sólo números tatuados en un código de barras.En alguna ocasión Banksy visitó México. Fue a Chiapas a un encuentro con el Ejército Zapatista de Liberación Nacional. Aunque ese viaje no fue muy publicitado, Banksy dejó algunas pintas en las zonas de influencia zapatista y diseñó algunas playeras que fueron vendidas para el apoyo de esta causa rebelde. 
           Y ahora, sin más preámbulos, los dejamos con el discurso deslumbrante de Banksy:

           

             Si quieres saber más sobre la obra y la personalidad de este personaje, te compartimos el siguiente enlace. Se trata de un documental, de hora y media de duración aproximada, que nos ilustra más sobre el discurso artístico (o sea el rollo, el choro o la propuesta intelectual), que Banksy  propone:

(Exit trouhgt the gift shop)

http://www.youtube.com/watch?v=wstxukTGpgk&feature=youtube_gdata_player

Fuentes:http://www.arteycallejero.com/tag/banksy/

http://www.banksy.co.uk/indoors/singlelane.html

http://www.youtube.com/watch?v=wstxukTGpgk&feature=related

http://artepinturaygenios.blogspot.com/2011/02/banksy-un-genio-en-la-sombra.html

Los tiempos hipermodernos.Guilles Lipovetsky Ed. Anagrama -colección Argumentos-